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Soggetto in arte: natura morta

La natura morta è uno dei soggetti più diffusi, classici e conosciuti nell’arte. È un genere che ha attraversato un lunghissimo percorso formativo per diventare autonomo e considerato alla pari delle composizioni storiche. Osservando la natura morta dagli inizi dell’arte occidentale fino ad oggi, possiamo seguire lo sviluppo della cultura, della filosofia e del pensiero umano attraverso i secoli.

Nei tempi antichi, la natura morta era ampiamente diffusa tra gli strati più ricchi della società che potevano permettersi dipinti murali. Alcuni esempi del soggetto sono stati trovati in tombe egizie, ma esempi più belli si possono vedere nei resti della grande civiltà romana a Pompei, Ercolano o Oplonti. La famosa favola greca antica dei pittori Zeusi e Parrasio racconta la loro battaglia di abilità nella pittura di un pezzo di natura morta. Tuttavia, dopo l’ascesa del cristianesimo e la caduta dell’Impero Romano nel IV secolo d.C., questo interessante genere fu in gran parte dimenticato, per riapparire agli albori dell’arte rinascimentale come supporto o decorazione di sfondo per l’elaborato figurativo, religioso o scene mitologiche.

La storia dell’arte segna una delle prime composizioni di natura morta ad essere “Lepre” del 1502 di Albrecht Durer, che rimase colpito dall’Italia, sebbene dipinse in stile nordico. Uno dei primi dipinti che si presentarono come uniche composizioni di natura morta fu sicuramente “Cesto di frutta” di Caravaggio, eseguito nel 1599, nel momento in cui il genere stava diventando più ampiamente accettato. Tuttavia, non è stato fino al XVII secolo che il soggetto della natura morta ha raggiunto il suo apice nelle opere elaborate, filosofiche e magistrali di maestri olandesi e fiamminghi.

Il genere della natura morta iniziò a fiorire nel Nord Europa come diretta conseguenza della Riforma. Ribellandosi alle politiche vaticane, la pittura religiosa in Olanda, Fiandre e Germania iniziò a declinare, così fu creata una nuova stanza per altri tipi di rappresentazione non figurali. Sebbene l’ornato e il sontuoso siano stati respinti, la pittura ad olio come tecnica era molto favorita nei paesi del nord. La situazione politica e religiosa ha permesso alla natura morta di svilupparsi ulteriormente e diventare uno dei tipi più profondamente simbolici di soggetti barocchi, pieni di riferimenti al cristianesimo, alle virtù e alla vita propria.

A metà del XVI secolo nacquero elaborate scene di negozi, raffiguranti la società artigianale altamente sviluppata dell’Olanda e delle Fiandre. Alcuni dei maestri di questo tempo furono Pieter Aertsen e Joachim Beuckelaer. Un tipo speciale di natura morta è emerso un po’ più tardi. Il nome era “Vanitas” – vanità per l’esattezza, composta con elementi appositamente scelti per ricordare all’osservatore la sua natura effimera e per focalizzare la sua attenzione sull’eterna brevità della vita affermando “Memento Mori” – Ricorda la morte. La crescente popolazione di puritani olandesi accettò felicemente questo tipo di pittura, poiché raffigurava tutto ciò in cui credeva, fungendo da propaganda per una vita virtuosa e modesta. Questo era il periodo dei più famosi pittori di nature morte che ammiriamo oggi: Harmen Steenwyck, Pieter Claesz, Willem Kalf o Jan Davidsz de Heem.

Nel sud, la natura morta non era così popolare, poiché la politica della Controriforma dominava la scena. Uno dei rari esempi è il citato Caravaggio, o alcune delle opere assegnate al barocco napoletano nel XVII o XVIII secolo. Il pittore spagnolo Francisco de Zurbaran accettò il soggetto, ma le sue interpretazioni del tema erano significativamente più drammatiche nell’illuminazione rispetto alle opere elaborate del nord. Il genere raggiungerà il suo apice molto più tardi in Spagna nell’opera di Francisco Goya.

In Francia, invece, la natura morta divenne autonoma e desiderabile forse solo con Chardin nel XVIII secolo. Jean-Simeon Chardin ha portato la natura realistica del genere a un nuovo livello, raffigurando composizioni meravigliose, quasi tangibili. Fu seguito da Theodore Gericault nel XIX secolo, sebbene la natura morta non fosse la prima scelta di questo maestro romantico.

Infine, nel XIX secolo la natura morta ottenne il completo riconoscimento come genere artistico, e alla fine del secolo non fu più considerata minore tra i generi. Henri Jean Theodore Fantin-Latour era particolarmente famoso per le sue nature morte con fiori, ma gli impressionisti sono quelli che hanno portato una nuova era al soggetto. Paul Cezanne è forse uno dei pittori più importanti che si è riferito molto alla geometria, ponendo così le basi per le teorie cubiste, mentre raffigurava nature morte e il paesaggio di Santa Vittoria. Una delle serie di nature morte più famose di questo periodo è quella con i girasoli di Vincent Van Gogh.

Il ventesimo secolo ha portato grandi cambiamenti nell’arte, e successivamente anche nei generi. Sebbene i primi modernisti impiegassero molto la natura morta, a partire dai fauvisti, sugli espressionisti tedeschi, fino ai cubisti, il soggetto in sé non aveva molta importanza. Le più importanti erano le teorie su cui era dipinto e gli stili che si stavano moltiplicando in modo relativamente veloce. Tuttavia, artisti come Henri Matisse, Georges Braque, Picasso si sono espressi attraverso composizioni di nature morte. Particolarmente dedicato al tema è stato Giorgio Morandi, pittore italiano che ha ritratto oggetti semplici con uno stile unico e lirico. Dopo la nascita dell’astrattismo, un gruppo di modernisti rimase fedele al genere della natura morta, ma l’importanza degli oggetti disposti non sarà mai più la stessa dell’epoca barocca. Una delle composizioni di natura morta più emozionanti dell’epoca è un pezzo di David Hockney, “Still Life on a Glass Table”, del 1971, che raffigura questo tema classico e bellissimo in un modo completamente nuovo, pur mantenendo la natura simbolica del genere.

La natura morta è sicuramente uno dei generi più importanti nella storia dell’arte. Riflette la storia culturale, così come la maestria di ogni singolo artista che lo ha dipinto, mentre ancora oggi è uno dei temi più essenziali insegnati ed esercitati nelle varie scuole d’arte in tutto il mondo.